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segunda, 09 março 2020 13:59

Dança Destaque

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A dança é uma forma de arte que consiste em sequências propositadamente seleccionadas do movimento humano. Esse movimento tem valor estético e simbólico e é reconhecido como dança por artistas e observadores dentro de uma cultura específica. A dança pode ser categorizada e descrita por sua coreografia, seu repertório de movimentos ou seu período histórico ou local de origem.

Uma distinção importante deve ser feita entre os contextos da dança teatral e participativa, embora essas duas categorias nem sempre sejam completamente separadas; ambos podem ter funções especiais, sejam sociais, cerimoniais, competitivas, eróticas, marciais ou sagradas / litúrgicas. Dizem que outras formas de movimento humano têm uma qualidade de dança, incluindo artes marciais, ginástica, torcida, patinagem artística, natação sincronizada, artes marciais e muitas outras formas de atletismo.

Desempenho e participação

A dança teatral, também chamada de performance ou dança de concerto, visa principalmente um espectáculo, geralmente uma performance no palco de dançarinos virtuosos. Muitas vezes conta uma história, talvez usando mímica, figurino e cenário, ou pode simplesmente interpretar o acompanhamento musical, que geralmente é especialmente composto. Exemplos são balé ocidental e dança moderna, dança clássica indiana e dramas de música e dança chineses e japoneses. A maioria das formas clássicas é centrada apenas na dança, mas a dança também pode aparecer na ópera e em outras formas de teatro musical.

A dança participativa, por outro lado, seja uma dança folclórica, uma dança social, uma dança de grupo, como uma linha, círculo, dança em cadeia ou quadrada, ou uma dança de parceiro, como é comum na dança de salão ocidental ocidental, é realizada. principalmente para um propósito comum, como interacção social ou exercício, de participantes, e não de espectadores. Essa dança raramente tem narrativa. Uma dança de grupo e um corpo de balé, uma dança de parceiro social e um pas de deux diferem profundamente. Mesmo uma dança solo pode ser realizada apenas para a satisfação do dançarino. Os dançarinos participativos geralmente empregam os mesmos movimentos e passos, mas, por exemplo, na cultura rave da dance music electrónica, grandes multidões podem se envolver em dança livre, descoordenada com as pessoas ao seu redor. Por outro lado, algumas culturas estabelecem regras estritas quanto às danças específicas nas quais, por exemplo, homens, mulheres e crianças podem ou devem participar.

Origens

A evidência arqueológica para a dança precoce inclui pinturas de 9.000 anos na Índia, nos Abrigos da Rocha de Bhimbetka, e pinturas em túmulos egípcios representando figuras de dança, datadas de c. 3300 aC. Foi proposto que, antes da invenção das línguas escritas, a dança era uma parte importante dos métodos orais e performáticos de passar histórias de uma geração para a seguinte. Pensa-se que o uso da dança em estados de transe extáctico e rituais de cura (como observado hoje em muitas culturas "primitivas" contemporâneas, da floresta tropical brasileira ao deserto de Kalahari) tenha sido outro factor inicial no desenvolvimento social da dança.

Referências à dança podem ser encontradas na história registada muito cedo; A dança grega (horos) é referida por Platão, Aristóteles, Plutarco e Luciano. A Bíblia e o Talmude se referem a muitos eventos relacionados à dança e contêm mais de 30 termos diferentes de dança. Na cerâmica chinesa, já no período neolítico, grupos de pessoas são representados dançando em uma fila de mãos dadas, e a primeira palavra chinesa para "dança" é encontrada nos ossos do oráculo. A dança é descrita mais detalhadamente no Lüshi Chunqiu. A dança primitiva na China antiga estava associada a feitiçaria e rituais xamânicos.

Durante o primeiro milénio aC na Índia, muitos textos foram compostos, tentando codificar aspectos da vida quotidiana. Natyashastra de Bharata Muni (literalmente "o texto da dramaturgia") é um dos textos anteriores. Trata principalmente de drama, no qual a dança desempenha um papel importante na cultura indiana. Ele categoriza a dança em quatro tipos - secular, ritual, abstracto e interpretativo - e em quatro variedades regionais. O texto elabora vários gestos manuais (mudras) e classifica os movimentos dos vários membros, etapas e assim por diante. Desde então, uma forte tradição contínua de dança continua na Índia, até os tempos modernos, onde continua a desempenhar um papel na cultura, ritual e, principalmente, na indústria do entretenimento de Bollywood. Muitas outras formas de dança contemporânea também podem ser rastreadas até a dança histórica, tradicional, cerimonial e étnica.

Dança e música

A dança é geralmente, embora não exclusivamente, executada com o acompanhamento de música e pode ou não ser executada a tempo de tal música. Algumas danças (como sapateado) podem fornecer seu próprio acompanhamento sonoro no lugar de (ou além de) música. Muitas formas antigas de música e dança foram criadas uma para a outra e são frequentemente executadas juntas. Exemplos notáveis de acoplamentos tradicionais de dança / música incluem o gabarito, a valsa, o tango, o disco e a salsa. Alguns géneros musicais têm uma forma de dança paralela, como música barroca e dança barroca; outras variedades de dança e música podem compartilhar a nomenclatura, mas desenvolvidas separadamente, como música clássica e balé clássico.

Dança e ritmo

Ritmo e dança estão profundamente ligados à história e à prática. O dançarino americano Ted Shawn escreveu; "A concepção de ritmo subjacente a todos os estudos da dança é algo sobre o qual poderíamos conversar para sempre, e ainda não terminar". Um ritmo musical requer dois elementos principais; primeiro, um pulso de repetição regular (também chamado de "batida" ou "tacto") que estabelece o tempo e, segundo, um padrão de acentos e descansos que estabelece o carácter do medidor ou padrão rítmico básico. O pulso básico tem duração aproximadamente igual a um simples passo ou gesto.

As danças geralmente têm um ritmo característico e um padrão rítmico. O tango, por exemplo, é geralmente dançado em 2
4 vezes a aproximadamente 66 batimentos por minuto. O passo lento básico, chamado de "lento", dura uma batida, de modo que um passo completo "direita-esquerda" é igual a um 2 e 4. A caminhada básica para a frente e para trás da dança é tão contada - "devagar-devagar" - enquanto muitos números adicionais são contados "devagar - rápido-rápido. 

Assim como os ritmos musicais são definidos por um padrão de batidas fortes e fracas, os movimentos repetitivos do corpo geralmente dependem de movimentos musculares "fortes" e "fracos" alternados. Dada essa alternância de esquerda-direita, frente-trás e ascensão, juntamente com a simetria bilateral do corpo humano, é natural que muitas danças e muita música estejam em medidores duplos e quádruplos. No entanto, como alguns desses movimentos exigem mais tempo em uma fase do que na outra - como o tempo mais longo necessário para levantar um martelo do que para bater - alguns ritmos de dança caem igualmente naturalmente num metro triplo. Ocasionalmente, como nas danças folclóricas dos Balcãs, as tradições da dança dependem fortemente de ritmos mais complexos. Além disso, danças complexas compostas por uma sequência fixa de etapas sempre exigem frases e melodias de um determinado comprimento fixo para acompanhar essa sequência.

O próprio acto de dançar, os próprios passos, gera um "esqueleto inicial de batidas rítmicas" que deve ter precedido qualquer acompanhamento musical separado, enquanto a dança em si, tanto quanto a música, exige tempo, assim como movimentos repetitivos utilitários, como caminhar, transportar e cavar assumem, à medida que se tornam refinados, algo da qualidade da dança.

Portanto, o acompanhamento musical surgiu na dança mais antiga, de modo que os egípcios antigos atribuíram a origem da dança ao divino Athotus, que teria observado que a música que acompanha os rituais religiosos fazia com que os participantes se movessem ritmicamente e levassem esses movimentos à medida proporcional. A mesma ideia, que a dança surge do ritmo musical, ainda é encontrada na Europa renascentista nas obras do mestre de dança Guglielmo Ebreo da Pesaro, que fala da dança como um movimento físico que surge e expressa o movimento espiritual interno, concordando com as "medidas". e perfeitas acordos de harmonia "que caem sobre o ouvido humano, enquanto Mechthild de Magdeburgo, aproveitando a dança como um símbolo da vida santa, prenunciado no ditado de Jesus:" Eu cansei e você não dançou ", escreve;

Não posso dançar a menos que você lidere. Se queres que eu salte, cante tu e eu saltaremos, para o amor e do amor ao conhecimento e do conhecimento ao êxtase, acima de todo sentido humano

A célebre orquestra de dança do século XVI de Thoinot Arbeau começa, na verdade, com definições de mais de oitenta ritmos de bateria distintos.

Como foi mostrado acima, a dança tem sido representada através dos tempos como tendo emergido como uma resposta à música, mas, como Lincoln Kirstein sugeriu, é pelo menos tão provável que a música primitiva tenha surgido da dança. Shawn concorda, afirmando que a dança "foi a primeira arte da raça humana, e a matriz da qual todas as outras artes cresceram" e que mesmo o "medidor de nossa poesia hoje é resultado dos sotaques necessários ao movimento do corpo, como o a dança e a recitação foram realizadas simultaneamente " - uma afirmação um pouco apoiada pelo uso comum do termo" pé "para descrever as unidades rítmicas fundamentais da poesia.

Scholes, não um dançarino, mas um músico, oferece suporte a essa visão, afirmando que as medidas constantes da música, de duas, três ou quatro batidas no bar, suas frases iguais e equilibradas, cadências regulares, contrastes e repetições, podem ser todas atribuída à influência "incalculável" da dança na música.

Émile Jaques-Dalcroze, principalmente músico e professor, relata como um estudo dos movimentos físicos dos pianistas o levou "à descoberta de que sensações musicais de natureza rítmica exigem a resposta muscular e nervosa de todo o organismo", para desenvolver " um treinamento especial projectado para regular reacções nervosas e efectuar uma coordenação de músculos e nervos "e, finalmente, buscar as conexões entre" a arte da música e a arte da dança ", que ele formulou em seu sistema de euritmética. Ele concluiu que "o ritmo musical é apenas a transposição para sons de movimentos e dinamismos que expressam espontânea e involuntariamente emoções".

Portanto, embora sem dúvida, como Shawn afirma, "é perfeitamente possível desenvolver a dança sem música e ... a música é perfeitamente capaz de se manter em pé sem a ajuda da dança", no entanto, as "duas artes sempre serão relacionado e o relacionamento pode ser lucrativo tanto para a dança quanto para a música ", a precedência de uma arte sobre a outra é um ponto discutível. As medições comuns de baladas de hinos e canções folclóricas recebem seu nome da dança, assim como a canção, originalmente uma dança circular. Muitas peças puramente musicais foram nomeadas "valsa" ou "minueto", por exemplo, enquanto muitas danças de concertos foram produzidas com base em peças musicais abstractas, como 2 e 3 Part Inventions, Adams Violin Concerto e Andantino. Da mesma forma, os poemas costumam ser estruturados e nomeados a partir de danças ou obras musicais, enquanto a dança e a música traçam sua concepção de "medida" ou "metro" a partir da poesia.

Shawn cita com aprovação a afirmação de Dalcroze de que, enquanto a arte do ritmo musical consiste em diferenciar e combinar durações de tempo, pausas e sotaques "de acordo com a lei fisiológica", a de "ritmo plástico" (isto é, dança) é designar movimento em o espaço, para interpretar valores de tempo longos por movimentos lentos e curtos por movimentos rápidos, regula pausas por suas sucessões diversas e expressa acentuações sonoras em suas múltiplas nuances por adições de peso corporal, por meio de inervações musculares ".

Shawn, no entanto, ressalta que o sistema do tempo musical é uma "coisa artificial, artificial ... ... uma ferramenta fabricada, enquanto o ritmo é algo que sempre existiu e que não depende absolutamente do homem", sendo "o tempo de fluxo contínuo que nossas mentes humanas dividem em unidades convenientes ", sugerindo que a música pode ser revivificada pelo retorno aos valores e à percepção temporal da dança.

A dançarina americana do início do século XX, Helen Moller, declarou simplesmente que "é o ritmo e a forma mais do que a harmonia e a cor que, desde o início, uniram música, poesia e dança em uma união indissolúvel".

Abordagens para dançar

Dança de concerto

A dança de concerto, como a ópera, geralmente depende, em sua forma de larga escala, de uma estrutura dramática narrativa. Os movimentos e gestos da coreografia destinam-se principalmente a imitar a personalidade e os objectivos dos personagens e sua parte na trama. Tais exigências teatrais tendem a movimentos mais longos e livres do que os habituais em estilos de dança não narrativos. Por outro lado, o ballet blanc, desenvolvido no século 19, permite interlúdios de dança rítmica que se desenvolveram em ballet inteiramente "sem trama" no século 20 e que permitiram passos de dança rítmicos e rápidos, como os da petit allegro. Um exemplo bem conhecido é a Dança dos Cygnets no segundo acto do Lago dos Cisnes.

O ballet se desenvolveu a partir de produções dramáticas da França e da Itália dos séculos XVI e XVII, e por algum tempo os dançarinos realizaram danças desenvolvidas por pessoas conhecidas da suíte musical, todas definidas por ritmos definidos intimamente identificados com cada dança. . Estes apareceram como danças de carácter na era do nacionalismo romântico.

O ballet alcançou grande popularidade na era romântica, acompanhado por uma orquestra maior e concepções musicais mais grandiosas que não se prestavam facilmente à clareza rítmica e à dança que enfatizava a mímica dramática. Era necessário um conceito mais amplo de ritmo, o que Rudolf Laban chama de "ritmo e forma" de movimento que comunica carácter, emoção e intenção,  enquanto apenas certas cenas exigiam a sincronização exacta do passo e da música essenciais para outros estilos de dança, de modo que, para Labão, os europeus modernos pareciam totalmente incapazes de compreender o significado de "movimentos rítmicos primitivos", uma situação que começou a mudar no século XX com produções como O Rito da Primavera de Igor Stravinsky com sua nova linguagem rítmica. evocando sentimentos primordiais de um passado primitivo.

Os estilos de dança clássica indiana, como o ballet, costumam ter uma forma dramática, de modo que existe uma complementaridade similar entre expressão narrativa e dança "pura". Nesse caso, no entanto, os dois são definidos separadamente, embora nem sempre sejam executados separadamente. Os elementos rítmicos, abstractos e técnicos, são conhecidos como nritta. Porém, tanto essa dança expressiva (nritya) estão intimamente ligadas ao sistema rítmico (tala). Os professores adaptaram o sistema mnemónico rítmico falado chamado bol às necessidades dos dançarinos.

Estilos de teatro de dança clássica japonesa, como Kabuki e Noh, como o drama de dança indiano, distinguem entre produções de dança narrativa e abstracta. As três principais categorias de kabuki são jidaimono (histórico), sewamono (doméstico) e shosagoto (peças de dança). De maneira semelhante, Noh distingue entre Geki Noh, baseado no avanço do enredo e na narração da acção, e Furyū Noh, peças de dança envolvendo acrobacias, propriedades de palco, vários personagens e elaborada acção de palco.

Dança participativa e social

As danças sociais, aquelas destinadas à participação e não ao público, podem incluir várias formas de mímica e narrativa, mas são tipicamente muito mais próximas do padrão rítmico da música, de modo que termos como valsa e polca se referem tanto a peças musicais quanto para a dança em si. O ritmo dos pés dos dançarinos pode até formar uma parte essencial da música, como no sapateado. A dança africana, por exemplo, está enraizada em etapas básicas fixas, mas também pode permitir um alto grau de interpretação rítmica: os pés ou o tronco marcam o pulso básico enquanto os ritmos cruzados são captados pelos ombros, joelhos ou cabeça, com o melhores dançarinos simultaneamente dando expressão plástica a todos os elementos do padrão polirrítmico.

Tradições Culturais

África

A dança na África está profundamente integrada à sociedade e os principais eventos em uma comunidade são frequentemente reflectidos nas danças: danças são realizadas para nascimentos e funerais, casamentos e guerras: As danças tradicionais transmitem moral cultural, incluindo tradições religiosas e padrões sexuais; dar vazão a emoções reprimidas, como tristeza; motivar os membros da comunidade a cooperar, seja em guerras ou moendo grãos; decretar rituais espirituais; e contribuir para a coesão social.

Milhares de danças são realizadas em todo o continente. Estes podem ser divididos em estilos tradicionais, neotradicionais e clássicos: danças folclóricas de uma sociedade específica, danças criadas mais recentemente em imitação de estilos tradicionais e danças transmitidas mais formalmente em escolas ou aulas particulares: 18 A dança africana tem sido alterado por muitas forças, como missionários europeus e governos colonialistas, que muitas vezes suprimiam as tradições locais da dança como licenciosas ou perturbadoras. A dança nas culturas africanas contemporâneas ainda serve suas funções tradicionais em novos contextos; a dança pode comemorar a inauguração de um hospital, criar comunidade para migrantes rurais em cidades desconhecidas e ser incorporada às cerimónias da igreja cristã.

Ásia

Todas as danças clássicas indianas têm graus variados enraizadas no Natyashastra e, portanto, compartilham características comuns: por exemplo, os mudras (posições das mãos), algumas posições do corpo e a inclusão de actos dramáticos ou expressivos ou abhinaya. A música clássica indiana oferece acompanhamento e bailarinos de quase todos os estilos usam sinos ao redor dos tornozelos para contrariar e complementar a percussão.

Actualmente, existem muitas variedades regionais de dança clássica indiana. Danças como "Odra Magadhi", que após décadas de debate, foram traçadas até os dias de hoje Mithila, a forma de dança de Odissi (Orissi) na região de Odisha, indica influência das danças nas interacções culturais entre diferentes regiões. 

A área de Punjab que se sobrepõe à Índia e ao Paquistão é o local de origem de Bhangra. É amplamente conhecido como estilo de música e dança. Está relacionado principalmente a celebrações da colheita antiga, amor, patriotismo ou questões sociais. Sua música é coordenada por um instrumento musical chamado 'Dhol'. Bhangra não é apenas música, mas uma dança, uma celebração da colheita onde as pessoas batem no dhol (tambor), cantam Boliyaan (letras) e dançam. Desenvolveu-se ainda mais com o festival Vaisakhi dos sikhs.

As danças do Sri Lanka incluem as danças do diabo (yakun natima), um ritual cuidadosamente elaborado que remonta ao passado pré-budista do Sri Lanka que combina conceitos antigos "ayurvédicos" de causação de doenças com manipulação psicológica e combina muitos aspectos, incluindo a cosmologia cingalesa. Sua influência pode ser vista nas danças clássicas do Sri Lanka.

As danças do Médio Oriente são geralmente as formas tradicionais de dança circular, que são modernizadas até certo ponto. Eles incluiriam dabke, tamzara, dança folclórica assíria, dança curda, dança arménia e dança turca, entre outros. Todas essas formas de dança normalmente envolvem os participantes se envolvendo segurando mãos ou braços (dependendo do estilo da dança). Eles faziam movimentos rítmicos com as pernas e os ombros enquanto se curvavam ao redor da pista de dança. O chefe da dança geralmente segurava uma bengala ou lenço.

Europa e América do Norte

As danças folclóricas variam em toda a Europa e podem remontar a centenas ou milhares de anos, mas muitas têm características em comum, como a participação em grupo liderada por um interlocutor, de mãos dadas ou de braços dados entre os participantes e formas musicais fixas conhecidas como canções. Alguns, como a dança do poste, são comuns a muitas nações, enquanto outros, como o céilidh e a polca, estão profundamente enraizados em uma única cultura. Algumas danças folclóricas europeias, como a dança quadrada, foram trazidas para o Novo Mundo e posteriormente se tornaram parte da cultura americana.

O ballet se desenvolveu primeiro em Itália e depois na França a partir de espectáculos luxuosos da corte que combinavam música, drama, poesia, música, figurinos e dança. Membros da nobreza do tribunal participaram como artistas. Durante o reinado de Luís XIV, ele próprio um dançarino, a dança tornou-se mais codificada. Dançarinos profissionais começaram a tomar o lugar de amadores da corte, e os mestres de ballet foram licenciados pelo governo francês. A primeira academia de dança de ballet foi a Académie Royale de Danse (Academia Real de Dança), inaugurada em Paris em 1661. Logo depois, foi formada a primeira tropa de balé institucionalizada, associada à Academia; essa tropa começou como um conjunto masculino, mas em 1681 começou a incluir também mulheres.

A dança de concerto do século XX trouxe uma explosão de inovação no estilo de dança, caracterizada por uma exploração da técnica mais livre. Os pioneiros do que ficou conhecido como dança moderna incluem Loie Fuller, Isadora Duncan, Mary Wigman e Ruth St. Denis. A relação da música com a dança serve de base para a Eurhythmics, criada por Emile Jaques-Dalcroze, que influenciou o desenvolvimento da dança moderna e do ballet moderno por artistas como Marie Rambert. O Eurythmy, desenvolvido por Rudolf Steiner e Marie Steiner-von Sivers, combina elementos formais remanescentes da dança tradicional com o novo estilo mais livre e introduziu um novo e complexo vocabulário para dançar. Na década de 1920, importantes fundadores do novo estilo, como Martha Graham e Doris Humphrey, começaram seu trabalho. Desde então, uma grande variedade de estilos de dança foi desenvolvida.

A dança afro-americana se desenvolveu nos espaços do quotidiano, e não nos estúdios, escolas ou empresas de dança. O sapateado, a discoteca, o jazz, o swing, o hip hop, o lindy hop com sua relação com o rock and roll e o rock and roll tiveram influência global. Os estilos de dança que fundem a técnica clássica de ballet com a dança afro-americana também apareceram no século XXI, incluindo o Hiplet.

América latina

A dança é central na vida social e na cultura latino-americana. Samba brasileiro, tango argentino e salsa cubana são danças parceiras populares internacionalmente e outras danças nacionais - merengue, cueca, plena, jarabe, joropo, marinera, cumbia, bachata e outras - são componentes importantes das culturas de seus respectivos países. Os festivais de carnaval tradicionais incorporam essas e outras danças em enormes celebrações.

A dança desempenhou um papel importante na criação de uma identidade colectiva entre os muitos grupos culturais e étnicos da América Latina. A dança serviu para unir os muitos povos africanos, europeus e indígenas da região. Certos géneros de dança, como a capoeira e os movimentos do corpo, especialmente as características quebradas ou balanços da pélvis, foram proibidos e comemorados de várias formas ao longo da história da América Latina.

 

Estados Unidos

O hip hop se originou em Nova York, especificamente na área conhecida como Bronx. Foi criado para aqueles que lutavam na sociedade e não pareciam ter voz na comunidade que os cercava por causa de sua falta de riqueza. Ajudou as pessoas na mesma situação a se unirem e falarem sobre assuntos difíceis usando movimento e sentimento.

Educação em dança


Os estudos de dança são oferecidos através dos programas de artes e humanidades de muitas instituições de ensino superior. Algumas universidades oferecem Bacharelado em Artes e graus académicos mais altos em Dança. Um currículo de estudo de dança pode abranger uma gama diversificada de cursos e tópicos, incluindo prática e performance de dança, coreografia, etnocoreologia, cinesiologia, notação de dança e terapia de dança.

Ocupações

Dançarinos profissionais

Dançarinos profissionais geralmente são contratados por contrato ou para performances ou produções específicas. A vida profissional de um dançarino geralmente é uma situação de trabalho em constante mudança, forte pressão competitiva e baixos salários. Consequentemente, bailarinos profissionais geralmente precisam complementar sua renda para alcançar estabilidade financeira. Nos EUA, muitos bailarinos profissionais pertencem a sindicatos (como o American Guild of Musical Artists, Screen Actors Guild e Actors 'Equity Association) que estabelecem condições de trabalho e salários mínimos para seus membros. Dançarinos profissionais devem possuir grandes quantidades de atletismo. Para liderar uma carreira de sucesso, é vantajoso ser versátil em muitos estilos de dança, ter uma sólida formação técnica e utilizar outras formas de treinamento físico para permanecer em forma e saudável.

Professores de dança

Os professores de dança geralmente se concentram no ensino da performance de dança ou no treinamento de dançarinos competitivos, ou em ambos. Eles normalmente têm experiência de performance nos tipos de dança que ensinam ou treinam. Por exemplo, professores e treinadores de danças desportivas geralmente são dançarinos de torneios ou ex-praticantes de danças. Os professores de dança podem trabalhar por conta própria ou por escolas de dança ou instituições de ensino geral com programas de dança. Alguns trabalham para programas universitários ou outras escolas associadas à dança clássica profissional (por exemplo, balé) ou a companhias de dança moderna. Outros são empregados por escolas de dança menores e particulares que oferecem treinamento em dança e treinamento para vários tipos de dança.

Coreógrafos e Coreógrafas

Coreógrafos são aqueles que projectam os movimentos de dança dentro de uma dança, geralmente são treinados na universidade e normalmente são empregados para projectos particulares ou, mais raramente, podem trabalhar sob contrato como coreógrafo residente de uma companhia de dança específica.

Competições

Uma competição de dança é um evento organizado no qual os participantes executam danças perante um juiz ou juízes por prémios e, em alguns casos, prémios monetários. Existem vários tipos principais de competições de dança, distinguidos principalmente pelo estilo ou estilos de danças realizadas. Os principais tipos de competições de dança incluem:

  • Dança competitiva, na qual são permitidos vários estilos de dança de teatro, como acro, ballet, jazz, hip-hop, lírico e sapateado.
  • Competições abertas, que permitem uma grande variedade de estilos de dança. Um exemplo disso é o programa de TV So You Think You Can Dance.
  • Dancesport, focado exclusivamente em salão de baile e dança latina. Exemplos disso são os programas de TV Dancing with the Stars e Strictly Come Dancing.
  • Competições de estilo único, como; dança das montanhas, equipa de dança e dança irlandesa, que permitem apenas um único estilo de dança.

Além disso, existem inúmeros shows de dança apresentados na televisão e em outros meios de comunicação de massa.

Notas

  1. Muitas definições de dança foram propostas. Essa definição é baseada no seguinte:

    "A dança é um movimento humano criado e expresso para um propósito estético."

    "A dança é um modo de expressão transitório, realizado em uma determinada forma e estilo pelo corpo humano que se move no espaço. A dança ocorre através de movimentos rítmicos propositadamente seleccionados e controlados; o fenómeno resultante é reconhecido como dança pelo artista e pelos membros observadores de um determinado grupo."

    "A dança é um comportamento humano composto (do ponto de vista do dançarino, que geralmente é compartilhado pelos membros da plateia da cultura do dançarino) de sequências propositadas (escolha individual e aprendizado social), sequências intencionalmente rítmicas e culturalmente padronizadas de movimentos corporais não verbais do que aquelas realizadas em actividades motoras comuns. O movimento (no tempo, no espaço e com esforço) tem um valor inerente e estético (a noção de adequação e competência, vista pela cultura do dançarino) e potencial simbólico."

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Leitura adicional

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  • Blogg, Martin. Dance and the Christian Faith: A Form of Knowing, The Lutterworth Press (2011), ISBN 978-0-7188-9249-4
  • Carter, A. (1998) The Routledge Dance Studies Reader. Routledge. ISBN 0-415-16447-8.
  • Cohen, S, J. (1992) Dance As a Theatre Art: Source Readings in Dance History from 1581 to the Present. Princeton Book Co. ISBN 0-87127-173-7.
  • Daly, A. (2002) Critical Gestures: Writings on Dance and Culture. Wesleyan University Press. ISBN 0-8195-6566-0.
  • Miller, James, L. (1986) Measures of Wisdom: The Cosmic Dance in Classical and Christian Antiquity, University of Toronto Press. ISBN 0-8020-2553-6.
Ler 37 vezes Modificado em quarta, 18 março 2020 20:35

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